Issu du Street art, Lis Sam est un artiste autodidacte.
Né en 1989 en Tunisie, arrivé en France à l’age de 11 ans, il intègre les métiers de l’artisanat, développant une appétence pour l’esthétique des formes. Comme cela est souvent le déclencheur d’une passion pour les artistes, c’est sa rencontre, lors d’un déplacement avec une oeuvre qui décidera de sa nouvelle orientation.
Travaillant sur de nombreux projets durant plusieurs années, c’est une seconde rencontre qui s’imposera comme une évidence lors de la visite d’une serre à papillons dans le sud de la France. Les jeunes filles en fleurs étaient nées.
Le projet “ Blossoming Girls ” trouve ses racines lors d’une visite dans une serre à Papillons dans le sud de la France. La multitude des papillons colorés virevoltant autour de lui crée par moment des silhouettes abstraites, comme un enfant regarde les nuages, où des visages imaginaires apparaissent.
Lis Sam est saisi par la beauté du spectacle auquel il assiste, cet instant suspendu est un moment de Grace. La flore exubérante de la serre forme un écrin ou les teintes des papillons répondent à celles des fleurs. Une impression de vie intense se dégage de ce spectacle et le pousse à s’en emparer.
Sa technique est unique.
Le travail de création commence par la préparation des prises de vues en studio en imaginant les mises en scène florales qui serviront de support à ses oeuvres. Il travaille ses décors floraux en atelier et créé de manière unique les coiffes pour ses modèles…
Le projet « Blossoming Girls » trouve ses racines lors d’une visite dans une serre à Papillons dans le sud de la France. La multitude des papillons colorés virevoltant autour de moi crée par moment des silhouettes abstraites, comme un enfant regarde les nuages, où des visages imaginaires apparaissent.
Saisi par la beauté du spectacle auquel j’assiste, cet instant suspendu est un moment de Grace. La flore exubérante de la serre forme un écrin ou les teintes des papillons répondent à celles des fleurs. Une impression de vie intense se dégage de ce spectacle et me pousse à m’en emparer.
Les sculptures de Fred Allard sont reconnaissables au premier regard. L’artiste utilise principalement la technique de l’inclusion en résine. Il compose et sculpte, il compresse et cristallise dans des inclusions de résines des produits iconiques. Fred Allard s’inscrit dans la lignée du courant protéiforme de l’école de Nice, notamment César et ses compressions, Arman pour ses inclusions.
Cette technique, unique et artisanale, Fred Allard l’a développée et affinée dans son atelier familial de la région niçoise, où il travaille avec ses deux enfants et transmet son savoir faire.
En ouvrant les portes de son atelier et en faisant découvrir les coulisses de son travail, l’artiste dévoile son savoir-faire en toute transparence, transparence que l’on retrouve également dans l’histoire et la conception de ses œuvres.
En se concentrant sur son travail créatif et son atelier, où chaque geste est minutieusement étudié, Fred Allard révèle toute son authenticité d’artisan et d’artiste.
Fred Allard, né le , est un artiste contemporain français. Il exerce dans son atelier familial de Saint-Laurent-du-Var, à proximité de Nice, en France.
Il travaille principalement des sculptures à base d’objets compressés et figés dans la résine. Il s’inscrit dans la lignée du courant de l’école de Nice, notamment César et ses compressions ou Arman pour ses inclusions.
Passionné par la mode et le design, il commence sa carrière professionnelle à travers la photographie. Il fonde en 2008 le site Vitrines Parisiennes consacré à la mode féminine.
En 2011, Nicole Rubi l’invite à exposer ses premières œuvres dans son établissement La Petite Maison, à Nice.
L’année suivante, il expose à la galerie Maud Barral, à Nice. Son exposition « Héroïnes » est consacrée aux femmes, et notamment à Kate Moss.
En 2017, Fred Allard expose ses œuvres au Royal Monceau.
En 2018, Fred Allard expose les œuvres de sa série « Vide ton sac » à l’hôtel Barrière à Courchevel.
Il s’est aussi vu confier les objets fétiches du footballeur brésilien Neymar, afin de les cristalliser dans un œuvre de sa série « Vide ton sac » dans le cadre d’une opération caritative.
Romero Britto, fondateur du Happy Art Movement, est un artiste de renommée internationale qui a créé un langage visuel emblématique de bonheur, de plaisir, d’amour et d’espoir, inspirant des millions de personnes dans le monde.
Né au Brésil et originaire de Miami, Romero Britto a atteint le sommet et est considéré comme l’un des artistes visuels vivants les plus célèbres et les plus célébrés au monde. L’appréciation de Britto pour les maîtres Pablo Picasso, Henry Matisse, Andy Warhol, Keith Haring et Roy Lichtenstein l’a influencé à créer un tout nouveau style artistique en utilisant des motifs vibrants, audacieux et colorés pour refléter sa vision optimiste du monde qui l’entoure.
Son travail a été exposé dans les galeries et musées les plus prestigieux de plus de 120 pays, dont le Carrousel du Louvre et il a été le premier artiste plasticien vivant à présenter son travail au Musée Soumaya. Romero Britto a également créé d’innombrables installations artistiques publiques et privées, sans oublier la plus grande de l’histoire de Hyde Park à Londres. Il a réalisé l’ouverture du Super Bowl XLI en collaboration avec le Cirque du Soleil, a été l’artiste officiel de la Coupe du Monde de la FIFA en Afrique du Sud 2010, ambassadeur de la Coupe du Monde de la FIFA au Brésil 2014, porteur honoraire de la flamme et ambassadeur des Jeux Olympiques de Rio 2016.
Romero Britto, considéré comme l’artiste le plus agréé de l’histoire, intervient fréquemment au Forum économique mondial (Davos, Suisse) et milite pour plus de 250 organisations caritatives, mais avant tout, c’est un artiste qui croit que « l’art est trop important pour ne pas le partager » et qu’il a un rôle d’agent de changement positif.
Yohan Plu est un sculpteur français, qui fait partie de l’univers tendance actuel de l’art. Plu est aujourd’hui le seul artiste à créer des bustes féminins en anneaux de cuivre, ce qui fait de lui un véritable pionnier. Découpées une à une à la main, il sélectionne, assemble et soude chaque rondelle – de diamètres différents – pour donner naissance à des corps féminins. Cette particularité unique lui permet de mettre sa touche et sa personnalité dans l’immense univers de la sculpture. Les corps féminins qu’il crée semblent sculptés dans la dentelle comme des pièces de haute couture.
Il se spécialise dans le travail du cuivre, qu’il affectionne particulièrement pour sa légèreté et sa malléabilité. Fort de son expérience, il développe avec soin, à l’abri des regards, son propre style reconnaissable. La qualité de son travail et son originalité font de Yohan Plu un artiste hors pair. Il signe ses œuvres : P-elle-U.
Yohan Plu est un artiste vendéen, qui s’inscrit dans l’univers tendance actuel de l’art. Sculpteur passionné et autodidacte, il est aujourd’hui un artiste contemporain en vogue. Il se spécialise dans le travail du cuivre, qu’il affectionne particulièrement pour sa légèreté et sa malléabilité. Fort de son expérience, il développe minutieusement à l’abri des regards, son propre style reconnaissable entre tous. Véritable précurseur, il est actuellement le seul artiste à créer des bustes féminins en rondelles de cuivre. Découpée une à une à la main, il sélectionne, assemble et soude chaque rondelle de diamètres différents, pour donner naissance à des corps de femme.
La qualité de son travail et son originalité font de Yohan Plu un artiste hors pair. Il signe ses œuvres : P-elle-U.
Fort de son expérience, il développe minutieusement à l’abri des regards, son propre style reconnaissable entre tous. Véritable précurseur, il est actuellement le seul artiste à créer des bustes féminins en rondelles de cuivre. Découpée une à une à la main, il sélectionne, assemble et soude chaque rondelle de diamètres différents, pour donner naissance à des corps de femme.
Après une enfance dans le sud de la France, Jean-Luc Maniouloux s’installe à Paris pour des études publicitaires et de graphisme.
Ses âneries le conduisent souvent dans les galeries du Muséum d’Histoire Naturelle, développant un goût pour le monde animal, les insectes en particulier. Il réalise une carrière dans la publicité et l’illustration pour de grands éditeurs. Il se tourne ensuite vers le design et les arts plastiques où son travail atypique et attachant attire rapidement l’attention de nombreux collectionneurs internationaux.
Ses œuvres figurent à présent sur les murs de particuliers sur les cinq continents.
Jean-Luc Maniouloux met en scène des insectes naturalisés, leur redonnant vie avec une poésie teintée d’humour et un sens graphique implacable et souvent minimaliste.
Son univers
À la différence de la marche triomphale, imposante et silencieuse de la grande galerie de l’évolution du Muséum parisien.
L’univers animal de l’artiste est à échelle réduite, constituée de fourmis, de papillons ou de bourdons. Moins majestueuse leur marche n’en est pas moins sans conséquences.
Ainsi, notre univers manufacturé, solide et protecteur est mis à mal sous l’impact d’une faune minuscule et déterminée à vivre sa vie malgré les contraintes qui l’entoure.
Extrait :
Ce sont des moments éphémères et poétiques où le temps semble suspendu alors que vole en éclat une ampoule électrique au passage d’un bourdon.
– Dans vos œuvres, Jean-Luc, on peut dire que l’exhortation du poète Lamartine « Ô temps, suspend ton vol ! » s’applique particulièrement.
– Tout à fait ; la plupart de mes réalisations sont comme un instantané, une photo 3D réalisée néanmoins dans des matériaux tout à fait traditionnels.
L’action est figée en peine action, le temps est suspendu.
– Nous parlions de Lamartine ; plus angoissante est la question du philosophe Alain : « Combien de temps le temps va-t-il suspendre son vol ? »
– Là, je fais confiance aux nouvelles générations de colles.
Jean-Luc Maniouloux vit et travaille actuellement en plein cœur de Paris. Un charmant petit atelier entouré d’un jardin où vivent papillons et abeilles, mais, promis ! Personne dérange l’autre !
